viernes, 29 de mayo de 2015

ROMANTICISMO; ¿ES BUENO O MALO EL NEO ROMANTICISMO EN EL SALVADOR?


Un poco de historia de las  transformaciones para responder a las nuevas exigencias de una sociedad que cambia radicalmente. La música se enriquece pero también se complica; la voz humana y los instrumentos se emplean de otra forma, con técnicas nuevas como consecuencia de la evolución tecnológica, entre otras cosas .La música busca abrirse nuevos caminos a través de una transformación de todos sus elementos (melodía, armonía, timbre, texturas, ritmos, instrumentos, etc. Se producirán cambios tan radicales que la música contemporánea a medida que avanza el siglo XX, se irá alejando del gran público y se convertirá en una música minoritaria, pero a pesar de todo, su huella se puede reconocer en gran parte de la música de hoy en día, incluso en las músicas más comerciales.


Neo-romanticismo es un movimiento amplio de cruzar fronteras artísticas que dieron más importancia a la representación de los sentimientos internos. Todo comenzó como una reacción al naturalismo en el siglo 19 y se remontaba a la época romántica, pero se ha convertido desde entonces en una reacción al modernismo y post-modernismo. Neo-romanticismo comenzó en Gran Bretaña alrededor de 1880, pero más tarde se extendió a otras partes del mundo, incluyendo Europa del Este, América e incluso la India. Cubre la pintura, la literatura y la música.

Se manifestó través de un planteamiento revolucionario en el arte de la afirmación de la libertad absoluta, esto pasando en el romanticismo La poesía está ligada tanto al amor como a la desdicha: el poeta sólo nos sugiere un vehículo por donde transitar.

Es una crítica del período neo-romántico. Desde el punto de vista de la Revolución Industrial europea. La descripción del contexto físico y natural en el que se ha desarrollado el paisaje cultural de la Serra de Tramontana es el primer paso para poder comprender los factores naturales que han condicionado el desarrollo social y económico de los pueblos y habitantes el neo romanticismo no es malo solo que hay que saber cómo realizar este tipo de poderío en cuanto a la fe y héroe que podemos conocer al trascursos de los años.



Óscar Arnulfo Romero, nació en El Salvador, América Central; en Ciudad Barrios departamento de San Miguel en un día 15 de agosto de 1917. Era el segundo de ocho hermanos su padre se llamaban Santos y su madre Guadalupe. Formaban una familia humilde y modesta. Su vida terminó el 24 de marzo de 1980 mientras celebraba misa a las 6:15 p.m. en la capilla del Hospital Divina Providencia en San Salvador, donde fue su hogar en los tres años que duró su ministerio. La noticia de su asesinato fue dada en los medios de comunicación por Monseñor Ricardo Urioste diciendo, El pueblo bueno de El Salvador está de luto, han matado a Monseñor Romero.






jueves, 28 de mayo de 2015

 1 Clasicismo. La Libertad Guiando al pueblo, y el billete de cinco colones




El clasicismo es una tendencia o un estilo artístico que busca entre sus características la armonía, es un periodo entre el Barroco y el romanticismo.


Es necesario saber que estilo marco mucho diferentes pinturas que vemos ahora en día todos guiados por un artista en esta ocasión hablaremos del clasicismo en el Salvador, de una manera como un artista pudo inspirar a copiar una de sus obras más famosas, y por supuesto como no nos hemos dado cuenta cuantas veces la hemos visto en nuestras manos.





Un cuadro muy famoso del artista Eugene Delacroix elaborado  en 1830 en Francia es la libertad guiando al pueblo, actualmente se encuentra en el museo lux en Paris Francia, en dicha pintura
podemos ver una mujer que simboliza la libertad por la parte del torso sin ropa, en su mano derecha se puede observar que lleva una bandera tricolor, y en la mano izquierda lo que parece ser un fusil, también podemos ver que la acompañan miembros de las diferentes clases sociales entre ellos un burgués, un obrero, un adolecente, todos llevan armas en sus manos lo que demuestra que la participación de todos, a los pies de la mujer se puede observar personas tiradas en el suelo muertos uno de ellos la está mirándola fijamente.  Los colores en la pintura son oscuros y muy opacos.
Recordemos que cuando Delacroix pinto esta obra Francia estaba atravesaba momentos difíciles por las decisiones de sus gobernantes. También demos tener presente que el romanticismo el tema que más se utilizaba era la muerte, y la obra nos lo está demostrando al ver como la mujer camina sobre los cuerpos tirados. El romanticismo también se deja llevar por las pasiones y que mejor que demostrarlo en la pasión que surge en la guerra por la libertad, y también le da una identidad nacional al ver como la bandera de Francia está ondeando de la mano de la Libertad.




En nuestro país podemos observar  una pintura muy parecida a la Delacroix la obra se llama Primer grito de independencia del Chileno Luis Vergara, en el cuadro podemos ver al prócer José Matías Delgado levantando su mano derecha con la mirada hacia donde dirige su mano otra de él se pueden ver a otros próceres levantando sus sombreros de copa también se ve a otro hombres más que levantan sus manos y alzan su mirada aparentan ser de buena posición por las vestimenta que llevan al fondo en cuadro se logra ver la clase trabajadora campesinos y al fondo lo que parece ser una iglesia, todos muy contentos según se logra ver en la imagen. 



No solo  se plasma es el parecido que tiene a la pintura de La libertad guiando al pueblo, sí que en base a la historia los próceres que nos muestra la pintura no existen, ya que en esa época no existía la fotografía y no hay ninguna pintura que muestre sus verdaderos rostros.

 Podemos apreciar esta imagen, bueno la mayoría la conocemos por que en épocas que celebramos la independencia suelen salir estampas o poster de esta pintura, pero si nos dirigimos a revisar en la historia los billetes de 5 colones podemos darnos cuenta que esa imagen es la que aparece. Aunque ya no circulan los colones en el país podemos verlo también en el museo de Ex Capres ubicado en San Jacinto San Salvador.



el romanticismo que se dio en la pintura La libertad guiando al pueblo Delacroix, es la misma que se da en El Primer grito de independencia de Vergara. Ya que la necesidad de tener héroes nos obliga a expresarlo ya sea con pintura de héroes a los que les conocemos el rostro, o personajes inventados de nuestra historia.

Comparación entre ambos cuadros:
Realidad  es que les acabo de relatar y una alegoría de la Libertad de los rebeldes  reflejada con una figura monumental con cara de mujer.

Entonces estamos apreciando la primera composición política de la pintura moderna. 
Aquí el Romanticismo olvida la Antigüedad y comienza a dar sus primeras participaciones en la vida contemporánea.

Se representa la unión del pueblo y las clases sociales en la celebración, pero se puede notar como la clase burguesa predomina en un primer plano y el pueblo se ubica en un segundo plano en su mayoría.

El Modernismo presente en la Ruta Gaudi en Barcelona y en la Iglesia El Rosario de El Salvador
Ruta Gaudi en Barcelona,España

El modernismo de Gaudí en Barcelona La ciudad de Barcelona, capital de Cataluña, fue el principal escenario en el que Antoni Gaudí, el gran arquitecto y decorador modernista, desarrolló su genio. Desde sus primeros encargos modestos hasta los edificios que la UNESCO declaró Patrimonio Mundial, las huellas del arquitecto de Reus son uno de los principales atractivos de Barcelona.


Es una ruta que puede realizarse en un día. Puede hacerse a pie, en bicicleta o utilizando los transportes urbanos de Barcelona. Un dato a tener en cuenta, sobre todo si elegimos cualquier de las dos primeras opciones, es que nuestra ruta recorre la ciudad de la zona baja a la zona alta.

 La Plaza Real, en pleno centro del casco antiguo de la ciudad. Allí se encuentran dos farolas de seis brazos que el arquitecto diseñó por encargo del Ayuntamiento de Barcelona. Fue uno de sus primeros trabajos (1879), cuando sólo contaba con 27 años de edad.
Justo al otro lado de las Ramblas, en la calle Nou de la Rambla número 3-5, se alza el Palacio Güell, una de las numerosas obras que realizó por encargo del industrial y político Eusebi Güell. Construido entre 1886 y 1890, fue uno de los primeros edificios en el que manifestó su concepción de la arquitectura y la decoración. El edificio está declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO
.



Encaminaremos hacia la parte alta de la ciudad. A unos 2 kilómetros, al norte del barrio de Gracia, descubriremos el Parque Güell. Se trata de unos jardines con elementos arquitectónicos diversos, diseñado por Gaudí entre 1900 y 1914, en su etapa de madurez artística.





La penúltima visita será a poco más de 1 kilómetro, en la calle Ganduxer número 85. Allí está el Colegio de las Teresianas, otro de los trabajos de Gaudí. Finalmente, concluiremos la ruta con un nuevo edificio realizado para Eusebi Güell: los Pabellones de la finca Güell, en la Avenida de Pedralbes número 7. Es un conjunto de edificios que Gaudí llevó a cabo entre 1884 y 1887.

Iglesia El Rosario en El Salvador


La Iglesia El Rosario está caracterizada por ser la Primer Iglesia no sólo en El Salvador, sino en toda América- “de cara al pueblo y no en Fuga de Dios” tal como lo describe su creador.
La Iglesia El Rosario está llena de simbolismos, el más evidente es el dramatismo creado en la entrada, pues sus puertas son muy bajas pero al cruzarlas nos encontramos con una gran cantidad de espacio iluminado por la luz que se filtra en los vitrales del arco, que según el Arquitecto, simbolizan el amanecer y el atardecer; su volumetría responde a la necesidad de techar la mayor cantidad de terreno con menos dinero, lo que genera la planta rectangular en las Iglesias.


La capilla del Mausoleo iglesia el rosario del el salvador
La Iglesia de El Rosario se encuentra localizada al costado oriente de la Plaza Libertad, y posee un diseño arquitectónico moderno en  la gobernación del Ex Presidente Napoleón Duarte lo que rompió con los habituales cánones de construcción religiosa en la ciudad, es decir el tipo cruz latina y griega.

La Iglesia El Rosario está llena de simbolismos, el más evidente es el dramatismo creado en la entrada, pues sus puertas son muy bajas pero al cruzarlas nos encontramos con una gran cantidad de espacio iluminado por la luz que se filtra en los vitrales del arco, que según el Arquitecto, simbolizan el amanecer y el atardecer; su volumetría responde a la necesidad de techar la mayor cantidad de terreno con menos dinero, lo que genera la planta rectangular en las Iglesias.

Vitrales al interior de la Iglesia El Rosario

 Debido a que la anterior iglesia era de madera y resultaba pequeña, para el año 1962 el fraile dominico Alejandro Peinador encomendó al arquitecto y escultor Rubén Martínez el diseño de la nueva estructura y al también dominico español Domingo Iturgaiz la creación de las vidrieras cromáticas de los lados oriente y occidente.

Sin embargo, los planos no fueron admitidos en un principio por las autoridades eclesiales, por lo que Martínez decidió buscar la aprobación de la Ciudad del Vaticano que finalmente autorizó el proyecto. Al fin, la obra inició en 1964 y se dejo de trabajar en la misma en junio de 1971 y actualmente  no está terminada.


Dentro de la Iglesia El Rosario, murieron en la guerra civil personas que fueron secuestradas y que por su seguridad no podían salir, y murieron ahí dentro de la iglesia y sus restos están enterrados en la iglesia.

Martínez diseñó El Rosario tomando como base las enseñanzas litúrgicas del Concilio Vaticano II: «una iglesia de cara al pueblo y no en fuga de Dios». De hecho, en su interior no hay pilares que obstaculicen la visibilidad. Otras características del edificio, que tiene forma de arco, son sus paredes de concreto visto, la ordenada filtración y sucesión de luces, vidrieras al cemento, y un vía crucis hecho de hierro negro sobre cemento y piedra pómez. Al final de dichas estaciones se encuentra un «Cristo resucitado» de hierro en espiral.
El Modernismo presente en la Ruta Gaudi en Barcelona y en la Iglesia El Rosario de El Salvador
Ruta Gaudi en Barcelona,España
El modernismo de Gaudí en Barcelona La ciudad de Barcelona, capital de Cataluña, fue el principal escenario en el que Antoni Gaudí, el gran arquitecto y decorador modernista, desarrolló su genio. Desde sus primeros encargos modestos hasta los edificios que la UNESCO declaró Patrimonio Mundial, las huellas del arquitecto de Reus son uno de los principales atractivos de Barcelona.

Se trata de una ruta que puede realizarse en un día. Puede hacerse a pie, en bicicleta o utilizando los transportes urbanos de Barcelona. Un dato a tener en cuenta, sobre todo si elegimos cualquier de las dos primeras opciones, es que nuestra ruta recorre la ciudad de la zona baja a la zona alta.

El inicio del recorrido es la Plaza Real, en pleno centro del casco antiguo de la ciudad. Allí se encuentran dos farolas de seis brazos que el arquitecto diseñó por encargo del Ayuntamiento de Barcelona. Fue uno de sus primeros trabajos (1879), cuando sólo contaba con 27 años de edad.
Justo al otro lado de las Ramblas, en la calle Nou de la Rambla número 3-5, se alza el Palacio Güell, una de las numerosas obras que realizó por encargo del industrial y político Eusebi Güell. Construido entre 1886 y 1890, fue uno de los primeros edificios en el que manifestó su concepción de la arquitectura y la decoración. El edificio está declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO.

A continuación subiremos por las Ramblas hasta la Plaza de Catalunya y el comienzo del Paseo de Gracia. A la derecha aparece la calle Casp, cuyo número 48 es la Casa Calvet, edificio diseñado por Gaudí entre 1898 y 1900. Volvemos después al Paseo de Gracia para visitar la Casa Batlló (1904-1906). Se sitúa en el número 43 y destaca por su imaginativa fachada. También está declarado Patrimonio Mundial.

A continuación, nos encaminaremos hacia la parte alta de la ciudad. A unos 2 kilómetros, al norte del barrio de Gracia, descubriremos el Parque Güell. Se trata de unos jardines con elementos arquitectónicos diversos, diseñado por Gaudí entre 1900 y 1914, en su etapa de madurez artístic

La penúltima visita será a poco más de 1 kilómetro, en la calle Ganduxer número 85. Allí está el Colegio de las Teresianas, otro de los trabajos de Gaudí. Finalmente, concluiremos la ruta con un nuevo edificio realizado para Eusebi Güell: los Pabellones de la finca Güell, en la Avenida de Pedralbes número 7. Es un conjunto de edificios que Gaudí llevó a cabo entre 1884 y 1887.






Si disponemos de tiempo, la ciudad de Barcelona y su provincia tienen otros edificios modernistas de interés,pero para mayor detalles aquí les dejo un vídeo para que se den una idea de lo que les estoy hablando:

 Cooperativa Obrera Mataronense, una de las primeras obras del insigne arquitecto (1878-1882). Está situada en la ciudad de Mataró (a 28 kilómetros de Barcelona, en el litoral nordeste).
Bodegas Güell, situadas en el pueblo de Garraf (municipio de Sitges), con diseño de su autoría. También a unos 28 kilómetros de Barcelona, pero en el litoral sudeste.
 Cripta de la Colonia Güell, construida entre 1908 y 1915 en Santa Coloma de Cervelló (a unos 12 kilómetros de Barcelona, por el eje del Llobregat).
Iglesia El Rosario en El Salvador


La Iglesia El Rosario está caracterizada por ser la Primer Iglesia no sólo en El Salvador, sino en toda América- “de cara al pueblo y no en Fuga de Dios” tal como lo describe su creador.
La Iglesia El Rosario está llena de simbolismos, el más evidente es el dramatismo creado en la entrada, pues sus puertas son muy bajas pero al cruzarlas nos encontramos con una gran cantidad de espacio iluminado por la luz que se filtra en los vitrales del arco, que según el Arquitecto, simbolizan el amanecer y el atardecer; su volumetría responde a la necesidad de techar la mayor cantidad de terreno con menos dinero, lo que genera la planta rectangular en las Iglesias.

La capilla del Mausoleo iglesia el rosario del el salvador
La Iglesia de El Rosario se encuentra localizada al costado oriente de la Plaza Libertad, y posee un diseño arquitectónico moderno en  la gobernación del Ex Presidente Napoleón Duarte lo que rompió con los habituales cánones de construcción religiosa en la ciudad, es decir el tipo cruz latina y griega.

Además está caracterizada por ser la Primer Iglesia no sólo en El Salvador, sino en toda América  “de cara al pueblo y no en Fuga de Dios” tal como lo describe su creador.

La Iglesia El Rosario está llena de simbolismos, el más evidente es el dramatismo creado en la entrada, pues sus puertas son muy bajas pero al cruzarlas nos encontramos con una gran cantidad de espacio iluminado por la luz que se filtra en los vitrales del arco, que según el Arquitecto, simbolizan el amanecer y el atardecer; su volumetría responde a la necesidad de techar la mayor cantidad de terreno con menos dinero, lo que genera la planta rectangular en las Iglesias.

Vitrales al interior de la Iglesia El Rosario
 Debido a que la anterior iglesia era de madera y resultaba pequeña, para el año 1962 el fraile dominico Alejandro Peinador encomendó al arquitecto y escultor Rubén Martínez el diseño de la nueva estructura y al también dominico español Domingo Iturgaiz la creación de las vidrieras cromáticas de los lados oriente y occidente.

Sin embargo, los planos no fueron admitidos en un principio por las autoridades eclesiales, por lo que Martínez decidió buscar la aprobación de la Ciudad del Vaticano que finalmente autorizó el proyecto. Al fin, la obra inició en 1964 y se dejo de trabajar en la misma en junio de 1971 y actualmente  no está terminada.
Dentro de la Iglesia El Rosario, murieron en la guerra civil personas que fueron secuestradas y que por su seguridad no podían salir, y murieron ahí dentro de la iglesia y sus restos están enterrados en la iglesia.
Martínez diseñó El Rosario tomando como base las enseñanzas litúrgicas del Concilio Vaticano II: «una iglesia de cara al pueblo y no en fuga de Dios». De hecho, en su interior no hay pilares que obstaculicen la visibilidad. Otras características del edificio, que tiene forma de arco, son sus paredes de concreto visto, la ordenada filtración y sucesión de luces, vidrieras al cemento, y un vía crucis hecho de hierro negro sobre cemento y piedra pómez. Al final de dichas estaciones se encuentra un «Cristo resucitado» de hierro en espiral.

 En este mismo lugar, cuando comenzaba a establecerse la ciudad de San Salvador, fue erigida la parroquia dedicada al Santísimo Salvador del Mundo, que originalmente había sido puesta bajo la advocación de la Santísima Trinidad. Asimismo, la iglesia contiene los restos de los presbíteros José Matías Delgado,y probablemente los de Nicolás Aguilar y Bustamante.
Para muchos, José Matías Delgado, es el prócer más importante de los eventos independentistas. De su tumba, se sabe que está en la iglesia El Rosario, de San Salvador, pero no con exactitud.
https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioL5PhIl4rXvvWcWvjCeTxtbEXa1yoz4q4mrQlzv9nu8CF7tKQd8mB3SgwDt3eNtgVBYSZh4M6gPMdGgDhj5LNBUDmvnjZwSCePLbwG7KwO559zsQwpJJ9rtE1mo6LfqfDrEgbo30ZtBxP/s320/10.jpg
Tumba de José Matías Delgado

Cuando murió, se sabe que fue enterrado en al pie del altar mayor de la Iglesia Parroquial, pero al reconstruirse a mediados del siglo XX se perdió su cuerpo. “Como una forma simbólica se colocó la placa mortuoria y del altar se trasladaron huesos, pero en verdad no se sabe cuáles son del padre Delgado”, dice el párroco de la iglesia, José Gómez.

En la misma iglesia El Rosario, la tradición oral ha dicho que las osamentas de los hermanos Aguilar, Nicolás y Vicente yacen en el lugar, pero de estos no existe ninguna placa.
Del otro prócer que se conoce de su tumba, más no si están sus osamentas es del prócer José Mariano Calderón, en la iglesia central de Santiago Texacuangos.


En la entrada de la iglesia se encuentra una placa donde se da fe de su muerte e incluso, su muerte fue documentada en los libros municipales de esa iglesia, pero al consultar a los personeros del lugar y al sacerdote no conocen con exactitud de la tumba.

sábado, 23 de mayo de 2015

Diferencia entre el Greco y Botero


 Grandes  obras artistas de la historia es esencial para ver el punto de vista de ellos en cuanto a la realidad que se vive en diferentes épocas. Este día les presentamos a otros dos artistas importantes como lo son Fernando Botero conocido como Botero y a Doménikos Theotokópoulos mejor conocido como el Greco.

El arte y la cultura han  cambiado de una manera espontánea, y otros de los grandes pintores han sido el greco y botero dos grandes pintores que lo que más buscaban eran la belleza de una manera visible, para que las personas pudieran apreciar la belleza de muchas maneras esto con el fin de poder también darse a conocer de una manera maravillosa en la sociedad. Greco se dio a conocer por sus pinturas de madures así también un pintor de los tiempos del renacimiento el mas que todo se presencia por las pinturas maduras en cual las personas sean recias y de caracteres madura, esto siempre compartiendo un legado muy lindo de ese tiempo que muestra el internes de mostrar una forma ceria pero que al final siempre fue aceptado por su forma de expresar su arte. 


Las obras de su autoría llevan impreso un original estilo figurativo neorrenacentista contemporáneo, denominado por algunos como "Boterismo", el cual le da una identidad inconfundible y conmovedora a las mismas, y se caracterizan por la interpretación que da el artista a diversas temáticas universales. (el ser humano, la mujer, el hombre, sus sentimientos, pasiones, dolores, creencias, vicios, costumbres, su cotidianidad, sus relaciones interpersonales, mitos, leyendas, manifestaciones culturales, así como dramas, acontecimientos y personajes históricos, sociales y políticos, hitos del arte, hasta objetos, animales, paisajes y la naturaleza en general), con una volumetría exaltada, que impregna de un especial carácter tridimensional, así como de fuerza y sensualidad a la obra, junto a una concepción anatómica particular, una estética que cronológicamente podría encuadrarse entre los años treinta a cuarenta en occidente, en temáticas que pueden ser contemporáneas o pasadas, pero con vocación universal, con un uso vivaz y magistral del color al estilo de la escuela veneciana renacentista y finos detalles de crítica mordaz, ironía y sutileza.


Las pinturas de botero se puede apreciar también mucho morbo, esto mas que todo se le da un poco de vida a las imágenes y también despierta un poco de interés en la sociedad, mas que todo siempre botero se ah catalogado como una persona muy oculta de una forma muy misterios de mostrar sus pinturas y no solo por el morbo si no también por pinturas algo sangrientas que solo se busca la atracción de las personas, pero así cambien se busca un poco de visión profesional de arte que se presenta poca. entre estos dos grandes artista hay mucha diferencia ya que cada uno tiene un gusto muy distinto que lo mas se busca es su propia creatividad y forma distinta de opintar este tipo de arte que cada uno lo elavora de una forma genial 

Análisis de las obras de Leonardo Da Vinci y El Bosco

Las diferentes artes de la época tales como la pintura, danza, teatro y la poesía, sin embargo existieron grandes exponentes del arte que no solo decidieron desarrollarse en un área sino que se inclinaron en conocer sobre todo lo que implicaba la invención, imaginación y creatividad con la finalidad de contribuir a un mejor desarrollo de las sociedades.


El italiano Leonardo Da Vinci quien se convirtió durante su época en uno de los artista que dejo huella y aun que parezca raro se podría decir que al dejar casi todas sus pinturas sin terminar hizo que los demás pintores hablaran de él contribuyendo al reconocimiento del mismo, pero sin embargo no solo eso hizo de Da Vinci uno de los exponentes de la pintura sino que también las diferentes características que establecía dentro de sus creaciones en las que como todo artista expresaba muchas emociones pero en especial la tristeza y sufrimiento apoyándose de la naturaleza y del elemento caricaturesco en algunas de sus pinturas.


 Leonardo Da Vinci
Emite en sus creaciones ciertos aspectos basados en la humanidad que hablan sobre el pecado y la falta de conciencia de las personas, marcando así un estilo renacentista combinadas con el paisaje con colores contrastados y detalles bien definidos pero principalmente es reconocido por la representación de personajes santos pero no como algo divino si no que como sujetos comunes y vulnerables es decir como personas mortales Esta obra llamada Cara de Leonardo Da Vinci, donde se ve reflejada la cara de una muchacha triste ya que se ve en los ojos y por la posición de la cara, tiene una mirada desbastadora, los colores son simples en esta obra, que trabaja mucho con la luz y la sombra y lineas muy definidas donde el fondo ayuda a que no tenga que definir bien el cabello.


Jerónimo El Bosco
El Jardín de las delicias es quizás uno de los cuadros que más atrae visitantes al Museo del Prado. Es un cuadro que no se pasa en segundos, Bosco, ha sido el encargado de acercarnos al ingenio pictórico. Desde un análisis de las representaciones figurativas y escénicas conocidas como drolleries, que utilizan monstruos y seres grotescos para ilustrar los pecados y el mal, hasta los híbridos tradicionales de hombre y bestia -centauros y criaturas mitológicas como unicornios, diablos, dragones y grifos-, mezclados con monstruos surgidos de la febril mente del pintor.




similitudes
Diferencias
·        Es surrealista.
 obra del Bosco también la muchacha refleja tristeza.
 Ambos creaban la mayoría de sus obras en paisajes naturales 
·         Ambos se inclinaban por pintar mas cuadros religiosos
·         Le daban un cierto grado de realismo a la imagen
·         Aplicaban el aspecto caricaturesco en la mayoría de sus obras
·  Realista
 también la muchacha refleja tristeza.
     Da Vinci utilizaba colores oscuros junto con una tonalidad amarilla y opaca
·         Bosco utilizaba tonalidades contrastadas adecuándose al tipo de la creación y al sentido que le quería dar
·         Da Vinci  aplicaba una característica de tipo extraterrestre en sus obras
·         Bosco creaba una imagen más apegada a la realidad humana

martes, 19 de mayo de 2015

El rococó de el salvador

El rococó es definido  también como un arte individualista, anti formalista y cortesano. Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros.El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre aproximadamente los años 1730 y 1760.



Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, este es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. Además que el rococó, a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.
 Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la belleza de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

Las fiestas nacen en el Rococó ya que significan el traspaso de la realidad a la fantasía, y esto solo estaba hecho para las personas de alta alcurnia mejor dicho los nobles, la razón muy simple. Las personas con dinero eran los únicos que podían gastar en hacer celebraciones lujosas.




¿En nuestro país contamos con arte Rococó? sí existe este arte y mucho más cerca de lo que nos imaginamos, no tenemos que viajar a un museo o visitar otro país para verlo ya que estos pueden adornar nuestra casa o hacer fiestas muy lujosas pero simplemente lo hace las personas de alta sociedad que tiene el suficiente dinero para hacer fiestas atractivas.


Todos los adornos que compramos como lo es la  cerámica que tenemos en nuestros módulos o mesas de las casas, floreros, todo tipo de adorno que utilizamos para embellecer el hogar es arte rococó.


Lamparas son parte del arte rococo ya que en el salvador son muy utilizadas en los hoteles, restaurantes y en casa de campo




Vestimenta Rococó 
A partir de 1715 surgió el estilo refinado que se conoce con el nombre de rococó, caracterizado por una estetíca artificiosa que en ocasiones llegaba al exceso y la frivolidad. La corte francesa marcaba la moda y las tendencias, y numerosos pintore . En la última década del siglo las tendencias cambiaron como consecuencia del triunfo de la revolución, adoptando una nueva estética como símbolo de los nuevos valores políticos y sociales.




La naturaleza. La Revolución Francesa de 1789 modernizo muchos aspectos de la sociedad y ocasiono un claro  cambio en la indumentaria: del decorativo rococó  a los vestidos  más sencillo del neo clasismo. Este cambio radical en el vestir, fenómeno único  en la historia de la moda es un reflejo de los grandes altibajos que los valores sociales experimentaron en esa época. Para las mujeres, el espíritu esencial de la moda  rococó residía en la elegancia, el refinamiento y la decoración, pero también había elementos caprichosos y extravagantes, así como coquetería.



El corset 
En el Siglo XVIII, sin embargo con la Revolución Francesa, su uso decayó por ser visto como un símbolo de la aristocracia en decadencia, por ende, una amenaza literal a la vida del que lo usara.




El abanico: plegable fue inventado por un chino en el siglo VII inspirándose en el mecanismo del ala de un murciélago.  No debió ser difícil de copiar pues enseguida se popularizó extendiéndose por toda Europa, en un primer momento para damas de clase alta y luego para todas las capas de la sociedad.

               
               

                                                     
Los zapatos extravagantes de la época
Durante el barroco, los hombres daban preferencias al calzado del material más refinado (piel o brocado) con tacón alto y ornamentos muy vistosos, como, por ejemplo, lazos, grandes hebillas, bordados y piedras preciosas.






lunes, 18 de mayo de 2015

Análisis del barroco en el Palacio Nacional de   EL Salvador


El palacio nacional  de El Salvador ubicado en el Centro Histórico de San Salvador, fue creado por medio de un arte llamado el barroco entre otros que también fueron utilizados por la arquitectura general, desde el siglo XIX, personajes e increíbles  y acontecimientos que fueron sumamente trascendentales en la historia política de El Salvador.

Inicialmente, este Palacio se construyó de 1866 a 1870 y un fuerte incendio acabó con las estructuras el 19 diciembre de 1889.

En su interior podrá recorrer más de 100 habitaciones donde apreciará la majestuosidad de sus diseños únicos e irrepetibles. Entre ellas, destacan las siguientes salones:



Salón Rojo: en este lugar se celebraban los cocteles y festines políticos. En ella se encuentran los medallones que nombran a los 14 departamentos que constituyen a El Salvador. También están los retratos de emblemáticos presidentes tales como el general Fernando Figueroa, Francisco Morazán, Francisco Menéndez, Rafael Campos, el capitán Gerardo Barrios y Manuel Enrique Araujo quien, tras su asesinato en 1913, fue velado en ese mismo lugar.




Salón Rosado: lugar en el que laboró la Corte Suprema de Justicia hasta 1974. En ella se conserva la pintura que destaca al primer escudo 
que nos declaraba como salvadoreños.










Salón Amarillo: Es un  lugar que era el despacho del presidente hasta 1930. En ella se desarrollaron reuniones de negociación y recibimiento de personas diplomáticas entre otros cargos.

En el palacio nacional cuenta con unos acabados muy finos donde inician desde sus puertas hasta finalizar en el cielo, prevalece en su ornamentación influencias de los estilos clásicos, renacentistas y barroco,


Salón Azul: encontramos lo  más importante ya que actualmente conserva los 28 escritorios y sillas originales en  el área que se dejaba para la prensa nacional e internacional que presenciaban las decisiones de la Asamblea Legislativa desde 1906,  en el salón azul su interior presenta tres arcos de medios de puntos tallados en granito gris  y arriba de estos insertaron medallones patrióticos y su ornamentación también fue grabada con medallones enmarcados y decorados con figuras volutas y guirnaldas todos con nombres reconocidos personajes como el presbiterio Isidro Menéndez, doctor francisco dueñas entre otros.





En este mismo salón se encuentra lo que son los muebles de madera  que utilizaban los del poder legislativo donde llevan figuras talladas en los muebles y tenían a su comodidad un escritorio de madera o curules y su silla con base de una madera de cedro pero pintada de barniz para el brillo de este, el cielo de este es una arquitectura.

Qué representan los ángeles colocados en altar mayor de la catedral metropolitana de San Salvador ?
Representa  al pueblo de Dios, el nuevo hombre y nueva mujer Y también las figuras celestiales como ángeles guardianes; la paloma como símbolo de paz  y la representación de la última cena de nuestro señor  Jesucristo.  


Porque el barroco se dice que está presente en  la catedral metropolitana de san salvador?
La iglesia católica especialmente la catedral de san salvador  tiene su estilo "Eclíptico" (bizantino con arcos y columnas romanas).Pero en sí el barroco se va a concentrar en el  altar mayor de la catedral metropolitana   ya que cuentan con pinturas de algunos santos o escenas de Dios.

En el  interior se puede   ver la belleza y la sencillez  estructura . Coloridos vitrales, ocho vistosos óleos que retratan la vida de Cristo en el área del altar traídos de Pamplona, España, e incluso cuatro preciosas esculturas de los evangelistas San Mateo, San Lucas, San Marcos y San Juan.



 En la parte central de la Catedral podrá apreciar la majestuosidad de la cúpula. En ella se representa al cielo como un paraíso en el que, junto a la Santísima Trinidad, San José y la Virgen María, participan de la bienaventuranza de los ángeles y personas de todas las razas y estratos sociales; se incluyen en ella animales y vegetación para indicar el carácter universal de la redención de Cristo.

miércoles, 6 de mayo de 2015

El manierismo en El Salvador 







En manierismo en El Salvador podemos encontrar en las imágenes diseñadas por Luis lazo la belleza de las pinturas, podes observar cómo han sido diseñadas donde se destaca  en al arte en las 14 estaciones del vía crucis de la cripta de monseñor romero.
La fe que el pintor Luis Lazo tiene en el catolicismo lo cual lo  llevaron pensar en pintar cada una de las estaciones que Jesucristo vivió camino a la cruz donde fue crucificado. Lo  cual  a un inicio solo era solo una intención de  hacer las pinturas y colocar las en un  y plasmar en el via crucis  de una forma que se combinara la belleza de las pinturas con la fe religiosa y que los feligreses católicos puedan apreciar  sus pinturas en el vía crucis.




El Viacrucis es una de las celebraciones más solemnes que se realizan en la Semana Santa, representa las diferentes etapas vividas por Jesucristo, desde el momento que fue capturado por los romanos hasta su crucifixión. Pero hoy en día no solo podemos apreciar de las catorces estaciones solo en semana santa, si no también podemos observarlas en la cripta de monseñor romero



En cada imagen podemos observar como Luis lazo se dedicaba  su tiempo para hacer de su arte una excelentes pinturas y poder diseñar en cada cuadro,  y para que los feligreses puedan apreciar las  catorces estaciones en la cripta de Monseñor Romero.
En cada estación podemos observar cómo han sido diseñadas y creadas  ya que cada una de ellas tiene diferente representación y con lleva colores muy llamativos. Las posiciones  de cada una de las pinturas  brindan un alargamiento  para la elegancia  a las pinturas
Los cuadros son una representación figurativa que está basados en la Biblia y en libros de imaginería católica. Se ha  utilizado un lenguaje sencillo y directo para que los puedan entender todos"






En este cuadro es uno de las 14 estaciones del vía crucis en el cual más me llamo la atención ya que puede observar la expresión Jesucristo y los dos hombres que están despojando las vestiduras de Jesús en el cual podemos ver una interpretación autónoma del manierismo dado la forma de los rostros bien estilizados, tiene posturas muy difíciles así como que fueran posturas artificiales podemos notar el alargamiento de los cuerpos que se la han dado al cuerpo de Jesús en todas las estaciones   también observamos las llamas del fuego y el   pintor juega mucho con los colores que estas tienen el azul, amarillo, naranja, rojo los cuales se fusionan para darle vida a la obra de esta estación del Viacrucis y más relace  a la hora que los feligreses hay su visita puedan observar el contrates de todos los colores en las pinturas .


En este cuadro podemos observar como el pintor hace uso de los siguientes aspectos como la exageración y el contrates ya que en todas las estaciones se puede concretar que hace uso de estos aspectos, en la crucifixión de Jesús se notan en sus rostro las marcas del dolor físico y espiritual demostrando todo el sufrimiento.







viernes, 1 de mayo de 2015

CUBISMO


 Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.

George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino. Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. 


Etapas del Cubismo
Se  caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.

Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.

 Esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.



Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.

En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta introduce el collage.
A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el expresionismo.


Fernando Llort Choussy (San Salvador, 7 de abril de 1949) es un artista visual salvadoreño. En su juventud realizó estudios de Teología y Arquitectura, y en los años 1970 residió en la localidad de La Palma, donde fundó un centro de artesanías que dio origen al denominado «estilo palmeño». También ha realizado obras artísticas en el campo de la música, el dibujo, la pintura, la cerámica, y la escultura.


En esa década la obra de Llort ya se había convertido en un símbolo de identidad de El Salvador, y especialmente de La Palma. A ello contribuyó el encargo de erigir el templete y la elaboración de los objetos rituales —entre ellos una estola— para la misa que ofició Juan Pablo II en 1983 en la ciudad de San Salvador. Otras creaciones comprendían un mural en el Hotel Presidente (posteriormente destruido), y la decoración de la capilla «Monseñor Romero» en la Universidad Centroamericana José Simeón Cañas en 1985.1


El mural «La armonía de mi pueblo» se mantuvo en la fachada de la Catedral Metropolitana de San Salvador desde 1998 hasta finales del 2011, cuando el arzobispo Escobar Alas decidió retirarlo.El montaje del mural duró un año y llevaba por nombre «La armonía de mi pueblo».Estaba compuesto por cerca de tres mil azulejos, y guardaba varios significados como la espiritualidad, el amor, el respeto a Dios, al trabajo y un «recuerdo permanente» por Monseñor Óscar Arnulfo Romero.El 26 de diciembre de 2011, por órdenes del arzobispo José Luis Escobar Alas, el mural que había ornamentado la fachada de la Catedral Metropolitana desde 1998 comenzó a ser retirado. La decisión tomó por sorpresa a las autoridades del Estado,específicamente la Secretaría de Cultura, y al público en general.

La cruz de Romero, obra de Fernando Llortencargada por el arzobispado de Londres para presidir una capilla en honor al obispo mártir en la catedral St. Georges, Southwark., inaugurada el 19 de septiembre de 2013 en la Catedral católica de San Jorge de la ciudad de Londres, en el Reino Unido, fue colocada una cruz de 4 metros de altura, creación del artista. La obra lleva por nombre «Sentir con la iglesia»,o también «Cruz Romero», en honor del arzobispo Óscar Romero y del sacerdote británico Michael Evans, admirador de la vida de este religioso y quien fue el primero que aportó para su instalación. La cruz contiene un solideo de Romero y un fragmento de su sotana ensangrentada que vestía el día de su asesinato. Se encuentra situada en medio de las capillas de San José y San Patricio del templo católico.